GIVEN TO FLY: UNA CANCIÓN SOBRE EL AMOR

Given to fly es una canción que aparece en el disco Yield de la banda, quinto álbum del grupo. Es un tema muy popular de la banda, muy tocada en sus presentaciones en vivo,  y todo un himno para sus fans. La letra, llena de metáforas y alegorías, es una de las más bellas y representativas de la banda.

La canción comienza relatando la historia de una persona que se encuentra en un mal momento, sin salida, acongojado, solo en un corredor. Entonces, llegado un momento, el protagonista sale, corre muchos kilómetros y llega al océano.  Mirando el océano, se fuma un cigarro y el viento lo desafía a volar. Luego dice que el mar lo golpea bruscamente y le da sus alas.  Este mar lo fortalece y  el personaje, entonces,  vuela alto, completamente, extendiéndose.

Después de su vuelo, el personaje vuelve para contar su experiencia,  para mostrar esa llave  que le permite comprender su realidad, pero no fue bien recibido, siendo maltratado, apuñalado, por hombres sin rostros. Sin embargo, él a pesar de todo sigue en pie y dando su amor, él solo lo regala y luego esa frase excepcional “el amor que recibe es el que perdura”. Luego, nos dice que  a veces se ve una mancha en el cielo, es esta persona que está concebida para volar que, finalmente, está volando alto, muy alto.

Para mi esta letra tiene múltiples interpretaciones y lecturas, y esto la hace más significativa y profunda. Primero, esta canción se trata sobre como uno debe seguir adelante, pese a todos  los problemas, seguir en pie, luchar contra todo. Mantenerse en pie tan fuerte,  que llegas  muy alto; eres capaz de volar muy alto y crecer como persona.

Otra lectura importante es acerca del tema del amor  que se presenta en la canción. El amor es un sentimiento muy poderoso que te hace ser  mejor persona. Dar  y recibir amor es algo muy relevante para el personaje, eso hace que siga en pie, que pueda volar y llegar alto.  Siendo el amor,  la base de todo, y algo que nos  hace más  fuerte y nos permite seguir adelante.

Por otra parte, para mi esta canción está relacionada, estrechamente, con  la figura de Eddie Vedder, su creador. Para mí es una letra  autorreferente y casi autobiográfica.  Es su autor y su relación con el mar, es Eddie y el surf, que lo hiso mantenerse en pie y volar  muy alto. Es también la enseñanza que le deja al estar en contacto con el mar, la fortaleza y el aprendizaje de que el amor es lo principal, y el recibir amor una forma de seguir en pie y volar alto.

Por último, es por estas lecturas y muchas otras, que esta letra es una de las más significativas para sus fans, siendo, finalmente, un emblema para los jammers, una alegoría de la vida y una gran enseñanza acerca del amor.

WHO YOU ARE: LA BÚSQUEDA DE LA TRASCENDENCIA

Who you are es una canción que aparece en el disco No code de pearl jam, quinto álbum de la banda, y conocido  por su experimentación musical y por sus letras trascendentales, profundas y espirituales. Y esta canción no es una excepción, sino que un símbolo de lo expresado en ese disco.

En el primer párrafo de la canción ya nos habla de trascender de donde estamos y lo que somos, es decir ir más allá de lo que conocemos, de lo que somos y dejar esa trascendencia. Luego, esas preguntas tan existenciales y profundas, ¿Quiénes somos? ¿Dónde estamos?

Después nos presenta la metáfora “del musgo pisoteado en sus almas”, que es como algo negativo que hay en las personas, en sus almas. Luego la idea de los cambios, que  tú eres un parte importante de ese cambio. Finalmente la idea de los contrarios,  lo ves todo pero a la vez nada en absoluto y “no se puede defender al hombre”. Por último, el pedirle a la vida que nos lleve a “dar un paseo” antes de morir.

A continuación sigue  con la idea de las circunstancias, de los vientos conductores, de la casualidad y el estar en el barro, fuera del camino, que es “el musgo mencionado en la estrofa anterior”. Y finalmente, nuevamente la idea de  esperar un momento, antes de partir o  de morir.

En la última estrofa, cerrando la canción, nos dice que la luz de parar hace su parte y que en realidad somos una  parte, una parte importante y luego las preguntas, ¿Cuál es tu parte? ¿Quién eres tú? ¿Tú quién eres? ¿Quién eres tú?

De esta forma, nos damos cuenta que en esta canción hay varias ideas que nos llevan a la búsqueda de trascendencia, del cuestionar lo que somos y preguntarnos qué somos realmente,   cuestionar nuestra existencia, y motivarnos a un cambio, a ser parte de ese cambio y seguir un camino “espiritual” que nos aleje de ese musgo que ensucia las almas y  que nos lleve a la trascendencia.

Por otra parte, en esta canción, vemos  nuevamente ideas de la sabiduría oriental milenaria, la idea de los contrarios, de los vientos conductores, de la casualidad y de la búsqueda espiritual y trascendental.

Finalmente, podemos decir que esta canción es un llamado a la búsqueda trascendental de la existencia a través de un cambio espiritual que nos eleve y nos lleve por el camino de la trascendencia.

I AM MINE: UN HIMNO A LA INDIVIDUALIDAD

I am mine es una canción que aparece en el disco Riot Act de Pearl Jam,  séptimo álbum de estudio de la banda. Se caracteriza por ser  un tema reflexivo, introspectivo, complejo, de dulce melodía y gran  letra, con tintes existenciales y profundos.

La canción comienza señalando que los hombres egoístas sólo quieren comprar su tiempo, y él sólo sabe en cada respiro que su mente es suya. Luego en una especie de metáfora, señala que el reloj es al tiempo así como es el norte al sur; y en todos los lados hay vida. Finalmente, nos dice una gran verdad “sé que nací y sé que moriré”, y todo  lo que hay en ese tránsito es suyo…“yo soy mío”.

En el coro nos señala que el sentimiento ha sido dejado atrás y que la inocencia ha sido perdida, pero que no hay necesidad de esconderse  y estamos seguros esta noche, pues  esto no se ve a los ojos.

En la segunda estrofa comienza haciendo comparaciones entre la naturaleza y nuestros sentimientos. El océano está lleno porque todos lloramos, la luna llena busca amigos en la marea alta, después, otra gran verdad “el dolor aumenta cuando el dolor  es negado” y luego, “sólo conozco mi mente”, “yo soy mío”.

 En el coro nos dice ahora, que el significado ha sido dejado atrás y la inocencia ha sido perdida, pero no hay necesidad de esconderse  y estamos a salvo esta noche, pues esto no se ve a los ojos.

Y luego, nuevamente, nos señala que los sentimientos han sido dejados atrás, pero que la inocencia ha sido rota con mentiras, el significado está  entre las líneas y quizás tengamos que escondernos.

Por último,  nos dice que los  significados han sido dejados atrás y la inocencia perdida de una vez, también nos  dice, definitivamente, que no hay necesidad de escondernos porque todos somos distintos detrás de los ojos.

Siendo una canción de lectura compleja, mi interpretación va hacia el significado de  la individualidad de cada persona. Para mí este tema es un verdadero himno a la individualidad, ya que nos habla de cómo somos y de lo que significa ser en esta sociedad.

Es cierto que nacemos y morimos, también es cierto que todo lo que vivimos, las experiencias,  son de cada uno. También es verdad que nuestra mente es de cada uno y solo conocemos la nuestra, no tenemos certeza de la de los demás. Por último, es verdad que todos somos distintos a los ojos de los demás. Cada uno es un ser con sus propias ideas, con sus propios sentimientos y sus  pensamientos. Eso hace que cada uno sea un individuo especial, diferente.

Otra idea importante que se expresa es la canción, es la relación entre individuo y sociedad. Es cierto que hemos perdido la inocencia, ya no somos los niños de antes. Pero ¿Habrá que escondernos?, ¿Estamos seguros o a salvo en esta sociedad? Según lo que nos señala al final de la canción, estamos seguros, estamos a salvos, no hay necesidad de esconderse, puesto que todos somos distintos a los ojos de los demás.

Por todas estas ideas, puedo decir que este tema es un verdadero himno a la individualidad: yo sólo sé lo que está en mí, en mi mente; y tengo derecho a ser y no esconderme, puesto que,  en esta sociedad, todos a la vez somos  mundos diferentes.

LONG ROAD: UN LARGO CAMINO.

Long Road es una canción que aparece en el Ep Mirken Ball, grabado junto a Neil Young en 1995. Es un tema reflexivo, introspectivo y de tintes existencialistas.  Es una especie de despedida de este mundo  para ingresar a otro donde nada conoce.

El tema comienza señalando que no puede quedarse, no sabe por qué, sabe que le falta algo, pero no sabe qué. Luego señala que todos los hijos están de la  mano y se les acaba la fe. Es algo que ha estado deseando así como lo desea ahora. Luego se pregunta si caminará el largo camino, que no puede quedarse y que no es necesario decir adiós.

En la segunda estrofa habla de  todos los amigos y de la familia, de todos los recuerdos  vividos dando vueltas, algo que ha deseado por tanto tiempo como lo desea hoy. Luego dice que el viento sigue rugiendo, el cielo se pone gris, el sol se pone y volverá  a salir. Nuevamente dice que es  algo que ha deseado tanto tiempo y que lo desea hoy. Finalmente termina preguntado si caminará el largo camino, y señalando que todos caminamos el largo camino.

Esta canción aparece en el empaque del álbum diciendo que está dedicada a Clayton E, luego Vedder en un concierto en el año 2006 en San Diego, revela que esta canción la escribió después de saber de la muerte de su profesor de teatro de la preparatoria, llamado Clayton E. Liggett. Entonces, es una canción escrita en su memoria y que tiene como tema fundamental el tema de la muerte.


La canción es una especie de despedida de la vida, ha llegado eso que se desea que es la muerte, están todos los amigos, los hijos, la familia, todos los recuerdos preciosos, pero no puede quedarse, tiene que partir, tiene que caminar ese largo camino, que todos caminamos, que nadie conoce como es, ni por qué, solo sabemos que algún día nos tocara caminar también.


Es un tema que habla de la vida y de la muerte, de ese camino que todos debemos caminar, el misterio más grande de la humanidad, ese que nadie conoce sólo los que no han dejado, y a los cuales no es necesario decir adiós, porque volveremos a vernos en ese otro camino y así la vida continuara, el sol saldrá mañana y todo volverá a ser como es.


Es un tema existencial que habla de la vida y de la muerte, de lo que no sabemos como es, del camino que nos tocara caminar, ese que viene después, ese que todos caminaremos sin distinción.

IN MY TREE: RECUPERANDO LA INOCENCIA PERDIDA

Una canción que me encanta es “In my tree”, su melodía y su letra se conjugan creando una gran canción, unas de las mejores de la banda. El baterista Jack Irons se luce en los tambores y logra crear la atmosfera adecuada para esta canción que se intensifica a medida que va avanzando.

“In my tree” es una canción que aparece en el disco No code, álbum que se caracteriza  por ser más experimental, alejado del sonido más rockero de sus predecesores y por tener una letra o lirica más profunda, cercana a temas espirituales y trascendentales.

La canción comienza señalando que se encuentra arriba en un  árbol y ahí se siente diferente a los demás, los periódicos no le interesa, ya no hay problemas en su cabeza, esta como desconectado de la realidad. En el árbol se encuentra solo, ve a sus amigos, pero ellos no parecen verlo,  ellos  están como enraizados al mundo terrenal, en cambio, él está en otro nivel más elevado de la vida real y cotidiana, en un ámbito más profundo y trascendental.  En ese árbol comienza a temblar, siente que roza el cielo y siente que solo guarda un respiro que es justo como su inocencia.

La segunda estrofa de la canción comienza señalando que él en una época creía saberlo todo, y luego, se compara con  el árbol, símbolo de la sabiduría y del conocimiento interno para las culturas  orientales.  Siente que está creciendo su conocimiento así como crece el árbol. Luego nuevamente señala que se siente más liviano, siente que toca el cielo, que vive ahí, que vuelve a respirar y que vuelve al nido, duerme con inocencia.  El tema  concluye reiterando como se siente, que las ramas se quiebran, que siente que toca el cielo y que ha tenido una visión, un destello, donde ha vuelto, ha recuperado su inocencia perdida, la tiene, no se ha ido, ha vuelto.

Esta canción es una de las más profundas escrita por Eddie Vedder, que tiene como temática entonces el crecimiento personal y espiritual, la obtención de una sabiduría interna y milenaria, ya no se es como antes ahora se  está en otro nivel, en otro ámbito más profundo y trascendental que el cotidiano, el mundano , el real. Se ha obtenido un nuevo conocimiento o  mejor se ha vuelto a ser, se ha recuperado la inocencia, se ha vuelto a ser niño,  a mirar con los ojos de los niños, con agradecimiento y asombro, lejos de la corrompida realidad.

Recuperar la inocencia perdida significa, entonces, crecer, conocer, obtener un conocimiento personal, volver a las raíces, volver a ser, volver a ser ese niño sabio que con inocencia veía ese otro mundo más espiritual, que no se corrompía con la realidad ni con la sociedad. Recuperar la inocencia perdida significa, por lo tanto,  dejar ese mundo real y cotidiano e ingresar en otro ámbito más espiritual y trascendental, volver a sentir como niño, con inocencia, deslumbre y gratitud.

FAITHFULL: "TODOS SOMOS CREYENTES"

Faithfull es una canción que aparece en el disco Yield de Pearl Jam, el cual fue publicado en 1998. Este disco se caracteriza por ser menos experimental que su antecesor y también por ser reconocido como una vuelta a los sonidos más  originales  de la banda.

La letra de esta canción se caracteriza por ser muy profunda y reflexiva, relacionado en su temática  con el mundo espiritual y trascendente. Solo con leer su titulo uno lo relaciona, inmediatamente, con un tema espiritual o religioso.  Ser creyente, ser fiel... Pero ¿A qué? ¿A un dios,  a una persona, a uno mismo?  Esto es lo que vamos a dilucidar ahora.

Si seguimos la lectura de la letra de esta canción y la analizamos, vemos como en el primer párrafo se hace mención al rezo y a quien atamos a eso, a una persona que está arriba, que por el ruido no nos escucha y que él está cansado  de gritar. Todo esto nos relaciona a lo religioso, al rezar, al pedir a un dios que no está presente, quizás porque no nos escucha, quizás porque no existe, quizás porque solamente son ecos que se van y que nadie escucha.

Luego prosigue el coro de la canción en la cual señala que todos somos creyentes, que todos creemos en algo, que todos lo creemos o lo creamos. Y es verdad, todos necesitamos creer en algo, todos creemos en algo y todos al creer lo creamos, creamos esa imagen de dios que nos escucha y que está presente.

Después nuevamente se hace alusión a los ecos que van y que vienen y que nadie escucha, que son esos rezos que nadie toma en cuenta. Y luego el coro, donde nos señala que todos somos fieles, que todos creemos y que todos lo creemos, a ese dios que no nos logra escuchar.

El último párrafo de la canción nos vislumbra el real significado de esta letra y nos aclara el tema en cuestión:

“M-I-T-O es 
la creencia en un juego de controles que nos retienen en una caja de miedo 
Jamás escuchamos 
la voz interior tan ahogada 
ahogada estás, eres, eres, eres todo 
y todo lo eres tú 
Yo y tú, tú y yo, todo está relacionado 
¿Qué puede hacer un hombre? 
Sólo se un encanto y yo también lo seré 
Fiel a ti”

Es falso entonces creer en un dios que nos mantiene controlados y que nos atemoriza. En vez de creer en ese dios, debiésemos escuchar nuestra voz interior, nuestra alma que esta tan apagada, tan acallada y creer en eso, ya que nosotros somos todo y todos somos todo, todos estamos relacionados, todos somos uno  y todos debemos ser fiel o creer en uno mismo.

Entonces, el real significado de esta canción es creer, ser fiel, ser creyente pero no de un dios cualquiera, sino que ser fiel a uno mismo, creer en uno mismo, en nuestra propia voz interior, en nuestra alma, porque de esa manera estamos conectados con lo verdadero, con lo real, con todo y con todos. Es en este punto que la letra se acerca un poco a una creencia espiritual budista u oriental, lo cual   podemos ver en otros temas de la banda y que analizaré, detalladamente,  más adelante.