DAUGHTER: "NO ME LLAMES, HIJA"

 

Daughter es una canción que pertenece al disco Versus lanzado en 1993, también aparece  en las compilaciones Live on two legs y Rearviewmirror. Es una balada tipo folk, muy reconocida y permanentemente incluida dentro de sus setlists en los conciertos de la banda. La letra sencilla nos habla de la relación conflictiva de una hija con sus padres.

Sola, indiferente, el hablante nos presenta de esta forma a la protagonista; ella se encuentra aislada en una habitación victima de la violencia que gira a su alrededor. La niña intenta entender lo que la madre lee en voz en alta, lo hace para hacerla sentir orgullosa. Las persianas se bajan no se puede negar que algo anda mal.

En el coro la voz de la niña enuncia: “No me llames hija”, no es apropiado, la imagen que mantengo me lo recordará. Luego señala que ella sostiene la mano que la mantiene al límite, que ella lo superará, afirma. Finalmente, se menciona que las sombras se esconden, las sombras van.

Podemos apreciar en esta simple letra la relación compleja entre una madre y su hija. Se trata de un caso de violencia  intrafamiliar, en un contexto donde una niña sufre problemas de aprendizaje.  La niña le reprocha todo esto a su madre diciéndole que no la llame hija porque no es adecuado, además, ella dice guardar todo esto en su memoria, que siempre lo recordara.

Además,  podemos ver a la niña que se rebela ante su madre, ella dice sostener la mano que la mantiene limitada y que lo superara. Es decir, que ella logra salir de esta situación de alguna manera, que se rebela frente a todo esto y  logra superar lo vivido desde un estado de rebeldía frente a su progenitora.

Interesante es la relación que se hace en la letra entre violines y violencia, una conexión semejante en sonido en ingles, pero en su significado completamente contrarios. También la alusión a la frase “las cortinas se cierran”  haciendo referencia a un lugar donde lo que sucede en el interior queda escondido, resguardado como un secreto, tal como se vive la violencia dentro del hogar.

Finalmente, podemos concluir que esta letra nos permite reflexionar sobre el tema de la violencia domestica y el daño que genera todo esto en los hijos. Siendo una problemática que se da en el ámbito de lo privado, en el interior de los hogares, cómo esto también trae consecuencias en el mundo de lo público y  de la sociedad en sí, complejizándola.

DISSIDENT: UN DISIDENTE ESTA AQUÍ

 

Dissident es una canción que aparece en el álbum Versus publicado en 1993. Es una canción reconocida por su ritmo pegajoso y su letra directa que nos habla de convertirse en un disidente o en un opositor a algo.

La letra comienza señalando a una mujer que quiso ocultar a una persona que es disidente, un detractor político. Ella no se siente segura de hacerlo, pero al final decide resguardarlo.

Sin embargo, mas adelante nos dice que ella cedió, que no pudo aguantar más la situación y lo entrega, señalando que un disidente esta aquí.

En la segunda parte de la canción vemos a esta mujer arrepentida por haberlo entregado, escondiéndose en casa, pero ella no podía más con el conflicto y lo entrega al estado. Tuvo que darle la espalda cuando no pudo aguantar más. Ella cede, hay un disidente aquí señala. Escapar es nunca el lugar más seguro, concluye, un disidente esta aquí.

Vemos, entonces, en esta canción el tema de ser desertor u opositor a una ideología política, contrario a lo que quiere el sistema, ya que no se está de acuerdo con su doctrina o sus creencias. Podemos apreciar también lo peligroso que resulta serlo, donde a veces no queda más que ocultarse o escapar del lugar.

 Sin embargo, “escapar es nunca el lugar más seguro”, se reitera varias veces en la letra, mostrando ese riesgo que vive el disidente, a lo que se expone, puesto que el solo hecho de ser un opositor al sistema resulta ser alarmante y arriesgado.

Quizás lo mejor sea afrontar la realidad y ser un detractor de verdad, sin ocultarse, sin escapar, solo seguir siéndolo, enfrentado lo que tenga que vivir, mostrando su oposición a lo establecido. Esto último es una interrogante que nos deja abierta esta letra.

 

WHY GO: EL CUESTIONAMIENTO JUVENIL

 

Why Go es la cuarta canción que aparece en el disco Ten publicado en 1991. Es una canción con un sonido fuerte y una letra directa y clara. En esta letra podemos apreciar la rabia de algunos jóvenes, la fuerza que tienen para luchar contra lo previamente establecido, el cuestionamiento de una  juventud frente a las ideas obsoletas y retrogradas de sus padres.

En las notas del álbum Ten señala, Eddie Vedder, que dedica esta canción a una chica llamada Heather. En una entrevista agregó "La canción Why Go fue escrita acerca de una chica en particular de Chicago quien supongo que su madre la sorprendió fumando hierba o algo. La chica tendría alrededor de 13 años y ella estaba bien. Creo que la madre lo siguiente que pensó, ya sabes, esta muchachita debe ir a un hospital. Se la llevaron y estuvo fuera un largo tiempo. Ella fue muy fuerte ya que ella se negó a aceptar  muchas  de las acusaciones de que había hecho cosas terribles cuando ella en realidad no había hecho nada… estuvo hospitalizada dos años”.

En la letra podemos apreciar la soledad y la situación en que se encuentra esta chica.  “Quizás algún día otro niño no se sienta tan solo como ella, han pasado dos años y contando, desde que la pusieron en este lugar, fue diagnosticada por algunos estúpidos de mierda y mamá estuvo de acuerdo”.

Luego viene el coro donde el hablante pregunta ¿Por qué irse a casa?, mostrando la ira y rabia contenida, el deseo de cuestionarlo todo, sobre todo las actitudes de los mayores, que parecen no entender nada.

Ella parece estar mejor, nos dice, más fuerte, pero lo que quieren es que este débil, podría jugar a pretender, podría unirse al juego, podría ser otro clon, señala el hablante. Y luego, nuevamente el coro donde pregunta “¿Por qué irse a casa? Lo que me enseñaste me puso aquí, no vengas  a visitarme, mamá”, como culpando a su madre de todo lo malo que le sucede, de la injusticia de su encierro, de todo esto que no es su error.

Podemos ver en esta letra entonces el sentimiento de esta joven que fue mal diagnosticada e injustamente encerrada. También podemos apreciar el pésimo actuar de una madre, que creyendo que hace el bien, solo daña  más a su hija. De esta forma entendemos a  esta adolescente y su actuar, como una consecuencia de los problemas familiares y emocionales que tienen ambas.

Sin embargo, no  podemos restringir esta interpretación en el caso de esta muchacha, sino que incluir a toda la juventud en su capacidad de cuestionar a sus padres, a su familia, a la sociedad, en general. Como esta simple pregunta Why go home?, se transforma en un cuestionamiento real a las actitudes de ciertos padres, desprovistos de amor y psicología, que culpan inútilmente a sus hijos de lo que quizás ellos mismos son los reales culpables.

Una letra para reflexionar y cuestionar, que muestra la rebeldía de los adolescentes y el cuestionamiento propio de la juventud frente a lo socialmente establecido y las ideas prejuiciosas e irrisorias de los padres.

 

GARDEN: TU JARDIN DE PIEDRA

Garden es una canción que aparece en el álbum Ten, primer disco de la banda, publicado en 1991. Es una canción con una melodía muy atrayente, un tanto sombría y con una letra hermética, difícil de interpretar. Escrita por Eddie Vedder en 1991, nos muestra el contexto histórico de la época, haciendo referencia a  la invasión de USA en Kuwait, dirigida por el presidente George H.W. Bush.

Toda esta situación política y de guerra, provoco en Eddie un gran malestar e introspección, dando como resultado esta letra que habla de muerte, desolación y de un profundo cuestionamiento de la vida actual.

“I dont question our existence, I just question our modern needs” canta Eddie Vedder al inicio de la canción, mostrando ese estado de reflexión a que todo esto lo ha llevado. “No cuestiono la existencia, cuestiono las necesidades modernas”, nos dice, haciendo una crítica a esa necesidad de ambición y codicia económica sin importar las vidas humanas.

En el coro, el hablante expresa esta idea de muerte, de hastió y desolación. “Yo caminare con mis manos atadas, con mi cara ensangrentada, con mi bandera de sombras”, señala, haciendo alusión a ese destino que no puede cambiar, un destino de muerte, de guerra, de una bandera ensombrecida por toda esta situación.

Al final se menciona ese lugar de muerte, un “jardín de piedra”, que podemos asociar con un cementerio, ese espacio hacia donde todos llegaremos  algún día.

En la última parte de la canción podemos ver también esa actitud crítica del hablante en contra de todo lo que sucede. “Yo no muestro, yo no comparto, yo no necesito... Eso que quieres dar”, expresa el hablante dando a conocer su postura contraria y opuesta a la realidad que vive.

Finalmente señala no saber, no importarle, no necesitar, solo necesita vivir, afirmando esa necesidad de querer vivir, de no ir a una guerra a morir, de no importarle todas esas cosas, solo poder existir.

Por lo tanto, vemos en esta letra el fastidio producido por esta situación política, creando una letra que cuestiona las decisiones de unos pocos y ponen en riesgo la vida de muchos, llevándolos a ese lugar de muerte, de soledad, a ese jardín de piedra, creado por la ambición y la codicia material.

 

STATE OF LOVE AND TRUST: LA VOZ DE UNA GENERACIÓN

SOLAT es una canción que aparece en el soundtrack de la película Singles dirigida por Cameron Crowe, amigo personal de Vedder, la cual fue estrenada en 1992. Esta película que nos presenta y describe el movimiento Grunge, en cuanto a su estética y forma de vida, propio de la denominada Generacion X, nos interioriza en las relaciones de amistad y amorosas de seis jóvenes adultos de Seattle.

La canción en sí nos habla de esto, de la amistad, de las relaciones amorosas, de la confianza, de mantenernos fiel a nuestras ideas. Es una letra escrita especialmente para esta película, por lo tanto, nos muestra un poco lo que logra percibir Vedder de ésta.

Es, por lo tanto, una canción que representa el sentir de esa generación de los 90s, su pensar y actuar. Los problemas que como jóvenes sufren, que buscan un amor perdido, que sufren desilusiones amorosas, que se mantienen en la amistad imperecedera.

“(…) Algo que duele, dolorosamente rápido, se susurran promesas en la era de la oscuridad, quiere ser iluminada, tanto como yo al final (…)” nos canta Vedder, mostrándonos esa juventud adolorida, que busca algo en que confiar y creer en tanta nebulosidad.

También nos habla de la individualidad, de mantenerse fiel a sí mismo, a sus ideas y sentimientos. “Y escucho la voz de mi consciencia, nada, esta la hare yo mismo” dice Vedder en varias partes de la canción, como teniendo certeza y confianza en su propio actuar y pensar.

“el gatillo se mueve, dirigido directamente a mi cabeza ¿No me ayudaras? Ayúdame de mí mismo”  señala al final, recordándonos esa delgada línea con la muerte, con el suicidio, que también simboliza  a esta generación, pidiendo ayuda a la vez  para salvarse de sí mismo, de su mente, de sus ideas, de sus sentires.

Entonces, podemos ver en esta letra una representación de esa generación pérdida de los 90s, de esa que nos muestra Singles, de esa que se habla en el libro Generación X de Douglas Coupland, una generación adolorida, individualista, hedonista, escéptica un tanto, pero que en el fondo sigue creyendo en ese estado de amor y confianza que nos expresa Vedder.

 

 

 

 

 

JEREMY: UNA TRISTE REALIDAD

 

Jeremy es una canción que aparece en el disco debut de la banda, el aclamado y popular Ten publicado en 1991. Es una canción icono de la banda y del movimiento grunge, siendo una de las más reconocidas del grupo, un himno para sus fans. Además, mención aparte  debemos hacer de su videoclip, el cual fue reconocido como mejor video por MTV en 1993. Un video fuerte en su contenido e imágenes, polémico y desgarrador, que muestra a un joven de 16  años, víctima de Bullying, el cual se suicida al frente de sus compañeros y profesora, siendo esta una noticia que impacto profundamente a Eddie Vedder y del cual quiso convertir en letra para que este acontecimiento no quedara en el olvido.

La canción comienza describiendo un dibujo de montañas arriba con un sol amarillo limón con los brazos alzados en V, la muerte espera abajo en una piscina de abandono. Luego el hablante nos señala que el padre nunca le tomo atención y a su madre no le importaba. Después dice que el rey Jeremy, el malvado, manda en su mundo. Finalmente afirma que Jeremy hablo en clases hoy.

En la segunda parte de la canción recuerda claramente que parecía estar mal, sin dolor. Pero, añade, que liberamos a un león, que mostro sus dientes y mordió su soledad. Cómo no olvidar, se pregunta. Me golpea la mandíbula adolorida y la deja abierta como el día que lo escucho. Después señala que el padre no le dio afecto y el chico se convirtió en algo que  a su madre no le gusto. Finalmente afirma que el rey Jeremy manda en su mundo y luego Jeremy hablo en clases hoy. Por último, dice intenta olvidarlo, intenta borrarlo del pizarrón. Jeremy  hablo en clases hoy, repite varias veces más hasta el final.

Podemos apreciar en esta letra la relación de un joven, en este caso, Jeremy, quien posee una relación compleja con sus padres, es ignorado por ellos, no lo toman en cuenta, es alguien que no recibió el afecto ni  la preocupación  necesaria de sus progenitores. Este joven se siente solo, perdido, es alguien que  ha aprendido vivir en su soledad y siente que en ese mundo él manda.

Entonces, estamos frente a  los problemas de un adolescente que no ha recibido la atención necesaria y que su vida se ha vuelto problemática, viéndose esto también en su realidad escolar, donde deja de ser el niño tímido y vapuleado, expresándose por primera vez en su clase, pero como todos sabemos de la peor manera, suicidándose frente a sus compañeros.

Esta letra, por lo tanto, nos habla de distintas temáticas que afectan a los adolescentes en su desarrollo normal, tales como, la relación compleja con los padres, el bullying escolar, el acceso fácil a las armas por menores de edad, el aislamiento, la depresión, entre otros. Todos estos problemas están presentes en nuestra vida actual y nos muestran las negligencias que cometemos como padres, instituciones de gobierno y como sociedad en general.

Eddie Vedder quiso con esta canción visibilizar toda esta problemática para que  logremos darnos cuenta del daño que realizamos, para recordarnos lo importante que es crear sociedades donde el amor y las personas sean lo más importante, donde se ponga fin a la violencia, al maltrato y al uso de armas. Sin embargo, seguimos en deuda.

 

 

 

BIG WAVE: EDDIE VEDDER Y EL MAR

 

Big wave es una canción que pertenece a álbum homónimo de Pearl Jam publicado el año 2006. Esta letra nos hace referencia al mar, al océano y sus olas. También se relaciona con la conexión que siente Eddie Vedder con el mar a partir de su afición al surf como hobbie que practica desde siempre.

La letra comienza identificándose el hablante con un crustáceo, que vive en una nación bajo el agua, el cual señala que surfeó en celebración y en unas mil adaptaciones. Después dice que le consigan una ola grande para montarse en una gran ola.

En el coro señala que siente una necesidad plantada en él. No puedes ver el tamaño de los océanos, pregunta. Luego considera que definiendo el tiempo y la marea levantándose, pudiéndose montarse con sus brazos al lado.

En la segunda parte el hablante menciona que grita en afirmación de dislocaciones conectadas, que excede las limitaciones, logrando levitar. Después vuelve a decir que le consigan una ola grande para montarse en una gran ola.

En la parte final se vuelve a repetir el coro donde señala que siente una necesidad plantada en él. No puedes ver el tamaño de los océanos, pregunta. Luego considera que definiendo el tiempo y la marea levantándose pudiendo montarse con los brazos al lado. Por último afirma que  me consiguió un paseo, que le dieron un paseo.

Podemos apreciar en esta canción la relación que tiene Eddie Vedder con el mar, en la cual con una letra simple y directa, se expresa el gusto y pasión que siente por montar una ola grande, es decir, practicar su mayor hobbie: el surf, sintiéndose casi como un crustáceo, un animal en adaptación que no puede vivir sin el mar y sin el surf.

También en esta letra nos describe cómo se siente estar sobre una gran ola, donde considera que excede todas sus limitaciones y logra elevarse por encima del mar. Es de esta forma que puede afirmar su identidad conectada con el mar y con el surf, pasión que desde temprana edad siente y que permanece hasta hoy.

Es, en el fondo, esta letra una invitación a disfrutar del mar, del surf, de las grandes olas, del océano, de manera sencilla, solo como una manera de diversión y de placer por el mar y sus olas, por querer conseguir una gran ola y montarse sobre ella. En pocas palabras, una canción sobre el amor al mar, el amor a las olas, el amor al surf.

 

BREAKERFALL: UNA CHICA IMPETUOSA

 

Breakerfall es una canción que aparece en el álbum Binaural publicado el año 2000. Esta letra nos habla sobre una mujer que lo ha perdido todo, que va en contra la corriente, es una mujer que está en llamas, que se encuentra mal, enferma y que solamente el amor puede salvarla de seguir cayendo.

Entonces, Breakerfall,  nos describe a una mujer diferente a la presentada en Better man, donde se muestra a una mujer sumisa, insatisfecha, soñadora, pero que se siente incapaz de cambiar su destino. En cambio, en esta canción apreciamos a una chica fuerte, aguerrida, pasional, llevada a sus ideas. Es una mujer que es capaz de dejar todo en llamas. Es la típica “chica problema”, incontrolable, que ha perdido a su amor y siente que va cayendo a un precipicio, que no tiene donde ir y que nadie se preocupa por ella.

Más adelante, la letra nos muestra que aquella mujer es ella misma quien tiene el problema, ella es su propia enfermedad. Esta chica está sola odiando al mundo, pero en el fondo es ella quien lo busca, quizás con su manera de ser o de comportarse, lo provoca.

Sin embargo, a pesar de toda esta situación que esta mujer vive, podemos ver que es sólo el amor puede quebrar su caída, es decir, que sólo este sentimiento puede frenar y dejar que esto no suceda. Solamente esa fuerza la puede salvar de caer en el abismo y ayudarla a salir de sus problemas.

Para terminar encontramos en esta canción a una mujer que debe aprender a  manejar sus impulsos, a sobrellevar su relación amorosa, sin sentirse caer ni odiar a todo el mundo. También, debe templarse para poder vivir de forma real y verdadera el amor, ya no como algo problemático o asfixiante, sino como una fuerza que nos ayuda a solucionar nuestra vida y ser mejores personas cada día.

 Como conclusión podemos decir que en la canción Better man encontramos a una mujer que necesita volver a empoderarse y creer en sus sueños. Es una mujer que debe volver a luchar por sus objetivos, desarrollando su amor propio y empoderamiento. En Breakerfall, al contrario, vemos a una mujer que debe aprender a manejar sus impulsos, a calmarse para poder vivir de forma más satisfactoria, siendo el amor, la energía que puede salvarla.

 

 

MIND YOUR MANNERS: UNA CRITICA A LA IGLESIA

 

Esta canción aparece en el penúltimo álbum de estudio de la banda denominado Lightning Bolt, el cual fue publicado el año 2013, siendo su primer sencillo, lanzado en internet el 11 de julio de ese mismo año. Se caracteriza  por sus rápidas guitarras, muy al estilo de bandas como Dead Kennedys u otras bandas californianas. La letra nos entrega un mensaje de reflexión y crítica hacia la iglesia y sus aberraciones, permitiéndonos crear una visión sobre la misma y un pensamiento acerca de la fe y de creer en algo superior.

La canción comienza mostrando a un hablante que se siente decepcionado de alguna manera, siente que no cree y que toda la verdad sale a la luz. Después refiriéndose a la iglesia dice que ellos más que buscar votos, buscan a los inocentes para arrojarlos a la hoguera. Pero ellos lo único que saben decir es “cuida tus modales”, señala.

Más adelante el hablante menciona  que se sorprendió creyendo que necesitaba a dios, y si estuviese, quizás no sería útil ahora. Luego señala que pongan a prueba su paciencia, pero su paciencia ya fue probada. Después señala que este mundo no es lo suficientemente bueno y eso le hace llorar. Finalmente, ellos siempre dicen lo mismo “cuida tus modales”. Es todo lo que dicen siempre, afirma.

En la parte final de la canción el hablante señala que se siente autorrealizado y metafísicamente redimido, que podría no vivir una segunda vida, que podría no resolver los misterios. Después señala que justo a la vuelta de la esquina podría ser más grande que todos nosotros, podríamos pedírselo a al cielo o podríamos hacerlo de manera diferente. Luego,  nuevamente, dicen “cuida tus modales” y siempre rezando, señala. Finalmente, quieres ir al cielo, que genial, te gusta, viviendo en el infierno, puntualiza.

Vemos en esta letra una crítica férrea que se hace a la iglesia, la cual todos sabemos en lo que ha estado envuelta este último tiempo. Sabemos de los muchos abusos que han sido perpetrados por éstos, convirtiéndolos en autores y cómplices del gran daño realizado a niños inocentes. Y es que es verdad que ellos más que buscar feligreses, buscan dinero, poder, cuestiones totalmente contrarias a la búsqueda espiritual.

También, en esta letra vemos el tema de la búsqueda trascendental o de creer en algo superior a nosotros. Todo esto es un trabajo personal, de cada  persona, transitar ese camino, no tiene que ver con dios y menos con la iglesia. Tiene que ver con tus creencias propias y cómo tú le das un significado a la vida, actuando en concordancia  a esas ideas.

Por último, en este canción podemos apreciar, además, la contradicción entre el cielo y la tierra, entre el cielo y el infierno. Tenemos búsquedas espirituales, creemos en algo superior a nosotros, tenemos una iglesia, sin embargo, el mundo es un real infierno, un lugar poco amable para vivir. Todo esto se contradice y nos hace cuestionar, para qué creer en el cielo o en el paraíso, si nuestra vida acá es un infierno. Quizás nos hace falta más actuar que predicar, no creer tanto en cosas “bonitas” o espirituales, sino que demostrar en actos todo lo bueno que podemos llegar a ser. Y eso sí que es un trabajo de cada uno, si queremos crear un mundo más humano y trascendental.

En conclusión, encontramos en esta letra una crítica fuerte contra la iglesia y sus malos actos, una reflexión sobre el tema de la fe o de creer en alguien superior y un cuestionamiento sobre la vida que llevamos, en vez de buscar el cielo, por qué mejor no traemos el cielo a la tierra y así lograr que este mundo no se convierta en un verdadero infierno.

 

 

W.M.A.: UNA CANCION DE PROTESTA

 

W.M.A. (white male american) es una canción que está incluida en el álbum Versus publicado en 1993. La letra de esta canción trata sobre el abuso de poder de la policía blanca americana sobre los ciudadanos, específicamente, afroamericanos. Es una canción de protesta que pone en tela de juicio el actuar de estos policías, que creen tener el poder por ser blancos. En el fondo, es una protesta y una crítica, en la cual se ridiculiza el actuar y   pensar de este tipo de personas que se siente superior sólo por tener un color de piel determinado.

La canción comienza refiriéndose a un hablante que pide que lo liberen, hablando con voz en off. Luego  se describe a este policía como un ser que se ganó la lotería por ser blanco. Después, lo critica diciendo que aparece entre él para atraparlo, entrenados como perros, dice que actúa la policía, para oprimir y encarcelar, según su color y olor.

Más adelante, se vuelve a reiterar la idea de que se ganó la lotería al nacer. Luego señala que una gran mano ha abofeteado al hombre blanco americano, pero que  no te equivoques, señala el hablante. Al final señala que el policía ha detenido a su hermano otra vez, repitiendo esta frase varias veces más.

En la parte final de la canción el hablante menciona a Jesús, diciendo que se parece a él y que lo saluda.  Luego vuelve  señalar al policía que  no se equivoque, así que corte limpio, con sus manos sucias sale de inmediato. Después vuelve a reiterar que la policía ha detenido a su hermano otra vez. Finalmente, señala que todas sus piezas lo han liberado, que los dispositivos humanos lo han liberado, afirma.

Lo primero que podemos apreciar en esta letra es la figura de un hablante que pide que lo liberen, que se siente perseguido y acorralado por la policía. Se siente como Jesús, acosado y maltratado. Siente que no es libre, que hay persecución hacia él y hacia su hermano, por lo tanto, pide que lo dejen tranquilo y en libertad.

Es la denuncia contra la policía blanca americana, la cual se critica tanto en su actuar como en su pensar. Se ridiculiza su forma de sentirse superiores por su color de piel, y se le fustiga por su actuar brutal frente a personas de distinto color y/o etnia, pero sobre todo de personas de origen afroamericano.

Vemos, por lo tanto,  en esta simple y directa  letra, la crítica que se realiza al actuar de la policía americana, que muchas veces se aprovecha de su poder, oprimiendo y encarcelando a personas por su color de piel, los cuales son maltratados, discriminados y humillados sin ninguna razón.

Se trata, entonces, del abuso de poder que la policía norteamericana muchas veces infringe sobre personas afroamericanas, y que este último tiempo hemos visto en la figura de George Floyd, quien murió a manos de estos policías, lo cual incentivo una serie de manifestaciones sociales multitudinarias en contra del racismo y del actuar brutal de la policía en USA.

En conclusión, es una canción de  protesta contra la policía americana y su actuar indiscriminado y,  a la vez, es una crítica directa hacia las personas racistas que se sienten superiores sólo por ser de distinta raza o color de piel, situación que hoy en día es totalmente repudiable e irrisorio.