LEASH: LA REBELIÓN JUVENIL

 Leash es una canción que aparece en el disco Versus publicado en 1993. Es una canción con una letra directa y con un mensaje destinado a su público mayoritariamente joven de esa época (inicio de los noventas). Si bien la canción aparece en Versus, esta es una de las más  antiguas de la banda ya que la tocaban en sus comienzos en 1991.

La letra comienza señalando una unión: “almas aproblemadas únanse”, el hablante pide que se unan todos, que se tienen unos a otros esta noche, que él es combustible, que son todos amigos, que tenemos una forma de reparar todo esto, que él está perdido, que no es un guía, pero estoy a tu lado, afirma.

En la segunda parte de la canción el hablante nos dice que fue idea de ellos, que probó ser un hombre, que tomó su maldita mano, que fue idea ellos, yo probé ser un hombre. También dice que quisiera encontrar una casa dentro de sí, encontraremos la forma, encontraremos nuestro lugar, señala.

En el coro repite varias veces: suelta la correa, quita tu maldita cara. Suelta la correa, somos jóvenes. Suelta la correa, disfruta en nuestra juventud.

Esta es para mí una canción generacional. Tiene mucho que ver con los noventas, cuando la banda se formo. Nos muestra un llamado a la unión, de que los jóvenes se unan y  le hagan frente al mundo de los adultos. Mucho de los problemas que tienen son cosas que traen de ellos, por eso también el emplazado a reparar algo.

La unión parte de la amistad, de tener la energía suficiente para cambiar las cosas. Es la rebelión juvenil, que no importa si estas dañado o perdido, tienes la fuerza suficiente para afrontar cualquier problema de manera unida, junto a tus amigos.

También nos habla desde una perspectiva existencial,  y ya no solo generacional, yo probé ser un hombre, dice como intentando serlo. Qué significa ser un hombre, cómo es un verdadero hombre,  preguntas que nos deja esta cita.

El hogar, la casa, otro tema que se aprecia en esta letra. La importancia de encontrar el lugar propio, donde te sientas protegido y donde puedas ser autentico. Además, encontrar ese hogar no solo afuera, sino adentro de uno mismo, sintiéndonos como en casa, sin problemas, acogidos y protegidos dentro de uno.

Y la rabia, esa rabia propia de los jóvenes, esa rabia contra todo el sistema y contra los adultos también. Suelta la correa, dice, como exhortándonos a dejar de lado todo lo que nos amarra a la sociedad; el gobierno, la educación, los padres, etc. Suelta o libérate de todo eso que te mantiene mal y no te deja ser.  Por último, recordar que somos jóvenes, que es el momento de la rebelión juvenil, de liberarse de todo, de ser auténtico, de disfrutar la juventud, unidos todos como amigos.

En conclusión, esta canción nos muestra la rebelión juvenil, el querer liberarse de las amarras, de las correas, de todo aquello que produce perjuicio y una voluntad de reparar todo unidos. Una canción generacional, propia de los noventas y de esa rabia contenida que acechaba a los jóvenes de esos años

INDIFFERENCE: LA INSATISFACCIÓN DE VIVIR

Indifference es una canción que aparece en el disco Versus publicado en 1993. Se caracteriza por su sonido suave y melancólico, un poco oscuro y desesperanzador. La letra nos presenta a un hablante con un estado de ánimo deprimente, el cual no espera nada de la vida misma y que  a la vez no hace nada por cambiar su situación.

La canción comienza mostrando este sentimiento desolador diciendo que encenderá un fosforo en la mañana para no sentirse solo y que verá como ella pronto se apaga. También señala que permanecerá con los brazos abiertos, fingiendo ser libre por ahí y que se abrirá camino en un día más en el infierno. Qué tanta diferencia hace eso, se pregunta al final.

En la segunda parte de la canción continúa diciendo que sostendrá la vela hasta que se queme su brazo, que seguirá recibiendo golpes hasta que se cansen, que mirara fijamente la puesta de sol hasta que sus ojos se cieguen, que no cambiara su dirección ni su pensamiento. Que tanta diferencia hace eso, se pregunta nuevamente.

Por último, en la parte final el hablante señala que tragara veneno hasta hacerse inmune y que gritara hasta que sus pulmones llenen la habitación. Finalmente se vuelve a preguntar qué tanta diferencia hace eso.

Podemos ver en esta letra a un hablante con un sentimiento negativo de su vida, se siente solo, deprimido, preso por su propia voluntad, sintiendo que la vida no merece ser vivida, que la vida es una infierno para él. Es una forma de ver la vida nada optimista y que a pesar de que en su realidad no haya nada positivo, el no hará nada por cambiarlo, porque siente que ya no hay nada por hacer.

Por lo tanto, vemos a alguien que se siente limitado por lo que le tocó vivir, que es indiferente a lo que le sucede, que no tiene nada de voluntad para cambiar su rumbo. Piensa que lo mejor es seguir ahí atascado y deprimido, ya que  por más que haga nada hace  la diferencia y  la vida continua igual.

En conclusión, esta letra nos muestra la insatisfacción por la vida, un estado de ánimo negativo y deprimente, un negarse ver más allá, un sentirse completamente atado a la realidad que se vive  y no tener la voluntad suficiente de hacer un cambio real.

REARVIEWMIRROR: EL DESEO DE LIBERACIÓN

 

RVM es una canción que aparece en el disco Versus publicado el año 1993. Nos habla sobre la emancipación o la necesidad de liberarnos de ciertas circunstancias vividas. Posee una letra directa, escrita en primera persona, en donde el hablante busca liberarse de sus propias sombras y traumas vividos.

El hablante comienza señalando que salió a dar una vuelta, que es momento de emanciparse, supone que los golpes recibidos lo ha hecho más sabio, pero que no está dispuesto a dar las gracias ni disculparse. Luego afirma que no podía respirar, que esto lo dominaba, una mano lo aprisionaba contra el suelo, una enemistad que lo obligaba a soportar lo que no podía  perdonar.

Después, el hablante continúa diciendo que aparto la mirada de las heridas reflejadas en el espejo, que no fue su exterior lo más ensuciado. Luego señala que esta arrodillado a sus pies, puño en su plato, tragándose todo. Una enemistad unida por el miedo que intentó soportar lo que no podía perdonar, afirma al final.

Por último, señala que ve las cosas de forma más clara cuando la ve reflejado en el espejo retrovisor. Finalmente afirma que huye corriendo de las malas palabras, que de una vez por todas está lejos, que casi no cree que por fin las sombras se hayan ido. Al final reitera que ve las cosas más claras.

Podemos apreciar en esta letra, entonces, a un hablante que ha sido abusado de cierta manera. Ha estado dentro de una relación abusiva de la cual desea liberarse. La persona es alguien que ha sido víctima de malos tratos físicos y sicológicos. Siente que los golpes que han recibido en la vida, si bien lo ha dañado por dentro, lo han hecho también volverse más sabio. Pero a pesar de todo esto él no está dispuesto a agradecer ni a perdonar.

Es, además, una persona que ha decidido dejar todo esto atrás, escapar y huir lejos de ese lugar donde ha sido golpeado.  Por eso esta letra nos habla de la necesidad de emancipar, de liberarse de todo el peso que implica ser vulnerado. El va alejándose de todo lo vivido, mientras ve en el espejo retrovisor sus heridas y al culpable de su desgracia, siendo estas lesiones más emocionales que físicas.

El espejo retrovisor sirve entonces para verse a sí mismo, ver sus heridas, sus traumas, sus sombras. Es en el espejo retrovisor  donde logra ver  las cosas con mayor claridad, dice. Por eso decide irse, escaparse de todo el daño y siente que  de una vez  por todas esta libre, que las sombras se han disuelto, que lo vivido ha quedado atrás.

Para terminar podemos concluir que esta letra nos habla sobre la  necesidad de emanciparse, de liberarse de las situaciones negativas de la vida, de tener valor y coraje para poder dar el paso y marcharse, tratar de despojarse de todo el peso que se carga, liberarse y seguir el camino.

ELDERLY WOMAN BEHIND THE COUNTER IN A SMALL TOWN: CUANDO LOS RECUERDOS SE DESVANECEN

 

Esta canción más conocida como “Small Town” pertenece al disco Versus publicado en 1993. Es la primera canción de la banda con un sonido totalmente acústico y la única con un título tan largo. Es una balada tipo folk que nos habla de la historia de un reencuentro  entre una mujer anciana y su viejo amante.

Desde un comienzo la letra nos habla de los recuerdos, de la memoria, de la imposibilidad de reconocer a alguien. Nos dice que no puede reconocer su cara, que le es familiar pero no puede ubicarla. Ha sido el paso del tiempo lo que ha provocado todo esto. Tampoco recuerda su nombre, sin embargo, todos los momentos vividos vuelven a ella y, junto a ellos, todos los cambios que algún día ocurrieron. “Los corazones y pensamientos se desvanecen” afirma al final.

Sin embargo, en la segunda parte de la canción, nos dice recordar su aliento y que los recuerdos crecen en ella como huellas digitales, están ahí. Pero tú no me recordaras a mí, señala la mujer, porque yo ya no soy quien era. “Cambie al no cambiar en absoluto”,  afirma,” un pequeño pueblo predice mi destino”.  Luego nos manifiesta su deseo de gritar: “Hola”. Dios, como ha pasado el tiempo, nunca soñé que volverías, expresa la mujer. Pero ahora estamos aquí, tú y yo. “Los corazones y pensamientos se desvanecen” se repite hasta  terminar la canción.

Como vemos esta es una letra que nos habla de la fragilidad de la memoria, de los recuerdos y como ellos llegan a nosotros, como se despiertan por un simple acontecimiento. La mujer que ya no logra recordar a su viejo amante, pero que con este reencuentro puede volver atrás y acordarse de su aliento, de los recuerdos vividos, que han quedado ahí en su piel como huellas digitales.

También esta canción nos expresa la idea del paso del tiempo, de los cambios que ocurren, de cómo la vida va sucediendo. Ella logra reconocerlo a él, pese al  transcurso del tiempo y de los cambios ocurridos. Sin embargo, ella piensa que él no lo recordara, ya que ella ha cambiado, ya no es la misma mujer de antes. Ha cambiado sin cambiar dice, pues el pueblo la ha sometido a ese destino.

Además, podemos ver en esta letra que encierra una triste historia de amor, ya  que nos habla del  reencuentro de esta mujer con su  viejo amor, anhelado en el tiempo y que por fin se alcanza. Ella al recordarlo se muestra emocionada al verlo, solo quiere acercarse y saludarlo, no puede creer cono ha pasado el tiempo y que su sueño de volver a verlo  se ha hecho realidad,  Sin embargo, los corazones y los pensamientos se desvanecen dice la letra, dejándonos un gusto amargo, es un reencuentro no consumado ya que los sentimientos se han ido, los pensamientos no existen. El tiempo ha hecho su parte y ya  es demasiado tarde para ir atrás. Ciertamente,  los recuerdos se han desvanecido.

En conclusión, vemos que esta letra toca diferentes temáticas como son la fragilidad de la memoria y los recuerdos que ya no existen; el transcurso del tiempo y los cambios que este acarre. Es también una emotiva canción de amor, que nos emociona, entristece un poco y nos hace reflexionar sobre el inevitable paso del tiempo y sus consecuencias.

DAUGHTER: "NO ME LLAMES, HIJA"

 

Daughter es una canción que pertenece al disco Versus lanzado en 1993, también aparece  en las compilaciones Live on two legs y Rearviewmirror. Es una balada tipo folk, muy reconocida y permanentemente incluida dentro de sus setlists en los conciertos de la banda. La letra sencilla nos habla de la relación conflictiva de una hija con sus padres.

Sola, indiferente, el hablante nos presenta de esta forma a la protagonista; ella se encuentra aislada en una habitación victima de la violencia que gira a su alrededor. La niña intenta entender lo que la madre lee en voz en alta, lo hace para hacerla sentir orgullosa. Las persianas se bajan no se puede negar que algo anda mal.

En el coro la voz de la niña enuncia: “No me llames hija”, no es apropiado, la imagen que mantengo me lo recordará. Luego señala que ella sostiene la mano que la mantiene al límite, que ella lo superará, afirma. Finalmente, se menciona que las sombras se esconden, las sombras van.

Podemos apreciar en esta simple letra la relación compleja entre una madre y su hija. Se trata de un caso de violencia  intrafamiliar, en un contexto donde una niña sufre problemas de aprendizaje.  La niña le reprocha todo esto a su madre diciéndole que no la llame hija porque no es adecuado, además, ella dice guardar todo esto en su memoria, que siempre lo recordara.

Además,  podemos ver a la niña que se rebela ante su madre, ella dice sostener la mano que la mantiene limitada y que lo superara. Es decir, que ella logra salir de esta situación de alguna manera, que se rebela frente a todo esto y  logra superar lo vivido desde un estado de rebeldía frente a su progenitora.

Interesante es la relación que se hace en la letra entre violines y violencia, una conexión semejante en sonido en ingles, pero en su significado completamente contrarios. También la alusión a la frase “las cortinas se cierran”  haciendo referencia a un lugar donde lo que sucede en el interior queda escondido, resguardado como un secreto, tal como se vive la violencia dentro del hogar.

Finalmente, podemos concluir que esta letra nos permite reflexionar sobre el tema de la violencia domestica y el daño que genera todo esto en los hijos. Siendo una problemática que se da en el ámbito de lo privado, en el interior de los hogares, cómo esto también trae consecuencias en el mundo de lo público y  de la sociedad en sí, complejizándola.

DISSIDENT: UN DISIDENTE ESTA AQUÍ

 

Dissident es una canción que aparece en el álbum Versus publicado en 1993. Es una canción reconocida por su ritmo pegajoso y su letra directa que nos habla de convertirse en un disidente o en un opositor a algo.

La letra comienza señalando a una mujer que quiso ocultar a una persona que es disidente, un detractor político. Ella no se siente segura de hacerlo, pero al final decide resguardarlo.

Sin embargo, mas adelante nos dice que ella cedió, que no pudo aguantar más la situación y lo entrega, señalando que un disidente esta aquí.

En la segunda parte de la canción vemos a esta mujer arrepentida por haberlo entregado, escondiéndose en casa, pero ella no podía más con el conflicto y lo entrega al estado. Tuvo que darle la espalda cuando no pudo aguantar más. Ella cede, hay un disidente aquí señala. Escapar es nunca el lugar más seguro, concluye, un disidente esta aquí.

Vemos, entonces, en esta canción el tema de ser desertor u opositor a una ideología política, contrario a lo que quiere el sistema, ya que no se está de acuerdo con su doctrina o sus creencias. Podemos apreciar también lo peligroso que resulta serlo, donde a veces no queda más que ocultarse o escapar del lugar.

 Sin embargo, “escapar es nunca el lugar más seguro”, se reitera varias veces en la letra, mostrando ese riesgo que vive el disidente, a lo que se expone, puesto que el solo hecho de ser un opositor al sistema resulta ser alarmante y arriesgado.

Quizás lo mejor sea afrontar la realidad y ser un detractor de verdad, sin ocultarse, sin escapar, solo seguir siéndolo, enfrentado lo que tenga que vivir, mostrando su oposición a lo establecido. Esto último es una interrogante que nos deja abierta esta letra.

 

WHY GO: EL CUESTIONAMIENTO JUVENIL

 

Why Go es la cuarta canción que aparece en el disco Ten publicado en 1991. Es una canción con un sonido fuerte y una letra directa y clara. En esta letra podemos apreciar la rabia de algunos jóvenes, la fuerza que tienen para luchar contra lo previamente establecido, el cuestionamiento de una  juventud frente a las ideas obsoletas y retrogradas de sus padres.

En las notas del álbum Ten señala, Eddie Vedder, que dedica esta canción a una chica llamada Heather. En una entrevista agregó "La canción Why Go fue escrita acerca de una chica en particular de Chicago quien supongo que su madre la sorprendió fumando hierba o algo. La chica tendría alrededor de 13 años y ella estaba bien. Creo que la madre lo siguiente que pensó, ya sabes, esta muchachita debe ir a un hospital. Se la llevaron y estuvo fuera un largo tiempo. Ella fue muy fuerte ya que ella se negó a aceptar  muchas  de las acusaciones de que había hecho cosas terribles cuando ella en realidad no había hecho nada… estuvo hospitalizada dos años”.

En la letra podemos apreciar la soledad y la situación en que se encuentra esta chica.  “Quizás algún día otro niño no se sienta tan solo como ella, han pasado dos años y contando, desde que la pusieron en este lugar, fue diagnosticada por algunos estúpidos de mierda y mamá estuvo de acuerdo”.

Luego viene el coro donde el hablante pregunta ¿Por qué irse a casa?, mostrando la ira y rabia contenida, el deseo de cuestionarlo todo, sobre todo las actitudes de los mayores, que parecen no entender nada.

Ella parece estar mejor, nos dice, más fuerte, pero lo que quieren es que este débil, podría jugar a pretender, podría unirse al juego, podría ser otro clon, señala el hablante. Y luego, nuevamente el coro donde pregunta “¿Por qué irse a casa? Lo que me enseñaste me puso aquí, no vengas  a visitarme, mamá”, como culpando a su madre de todo lo malo que le sucede, de la injusticia de su encierro, de todo esto que no es su error.

Podemos ver en esta letra entonces el sentimiento de esta joven que fue mal diagnosticada e injustamente encerrada. También podemos apreciar el pésimo actuar de una madre, que creyendo que hace el bien, solo daña  más a su hija. De esta forma entendemos a  esta adolescente y su actuar, como una consecuencia de los problemas familiares y emocionales que tienen ambas.

Sin embargo, no  podemos restringir esta interpretación en el caso de esta muchacha, sino que incluir a toda la juventud en su capacidad de cuestionar a sus padres, a su familia, a la sociedad, en general. Como esta simple pregunta Why go home?, se transforma en un cuestionamiento real a las actitudes de ciertos padres, desprovistos de amor y psicología, que culpan inútilmente a sus hijos de lo que quizás ellos mismos son los reales culpables.

Una letra para reflexionar y cuestionar, que muestra la rebeldía de los adolescentes y el cuestionamiento propio de la juventud frente a lo socialmente establecido y las ideas prejuiciosas e irrisorias de los padres.

 

GARDEN: TU JARDIN DE PIEDRA

Garden es una canción que aparece en el álbum Ten, primer disco de la banda, publicado en 1991. Es una canción con una melodía muy atrayente, un tanto sombría y con una letra hermética, difícil de interpretar. Escrita por Eddie Vedder en 1991, nos muestra el contexto histórico de la época, haciendo referencia a  la invasión de USA en Kuwait, dirigida por el presidente George H.W. Bush.

Toda esta situación política y de guerra, provoco en Eddie un gran malestar e introspección, dando como resultado esta letra que habla de muerte, desolación y de un profundo cuestionamiento de la vida actual.

“I dont question our existence, I just question our modern needs” canta Eddie Vedder al inicio de la canción, mostrando ese estado de reflexión a que todo esto lo ha llevado. “No cuestiono la existencia, cuestiono las necesidades modernas”, nos dice, haciendo una crítica a esa necesidad de ambición y codicia económica sin importar las vidas humanas.

En el coro, el hablante expresa esta idea de muerte, de hastió y desolación. “Yo caminare con mis manos atadas, con mi cara ensangrentada, con mi bandera de sombras”, señala, haciendo alusión a ese destino que no puede cambiar, un destino de muerte, de guerra, de una bandera ensombrecida por toda esta situación.

Al final se menciona ese lugar de muerte, un “jardín de piedra”, que podemos asociar con un cementerio, ese espacio hacia donde todos llegaremos  algún día.

En la última parte de la canción podemos ver también esa actitud crítica del hablante en contra de todo lo que sucede. “Yo no muestro, yo no comparto, yo no necesito... Eso que quieres dar”, expresa el hablante dando a conocer su postura contraria y opuesta a la realidad que vive.

Finalmente señala no saber, no importarle, no necesitar, solo necesita vivir, afirmando esa necesidad de querer vivir, de no ir a una guerra a morir, de no importarle todas esas cosas, solo poder existir.

Por lo tanto, vemos en esta letra el fastidio producido por esta situación política, creando una letra que cuestiona las decisiones de unos pocos y ponen en riesgo la vida de muchos, llevándolos a ese lugar de muerte, de soledad, a ese jardín de piedra, creado por la ambición y la codicia material.

 

STATE OF LOVE AND TRUST: LA VOZ DE UNA GENERACIÓN

SOLAT es una canción que aparece en el soundtrack de la película Singles dirigida por Cameron Crowe, amigo personal de Vedder, la cual fue estrenada en 1992. Esta película que nos presenta y describe el movimiento Grunge, en cuanto a su estética y forma de vida, propio de la denominada Generacion X, nos interioriza en las relaciones de amistad y amorosas de seis jóvenes adultos de Seattle.

La canción en sí nos habla de esto, de la amistad, de las relaciones amorosas, de la confianza, de mantenernos fiel a nuestras ideas. Es una letra escrita especialmente para esta película, por lo tanto, nos muestra un poco lo que logra percibir Vedder de ésta.

Es, por lo tanto, una canción que representa el sentir de esa generación de los 90s, su pensar y actuar. Los problemas que como jóvenes sufren, que buscan un amor perdido, que sufren desilusiones amorosas, que se mantienen en la amistad imperecedera.

“(…) Algo que duele, dolorosamente rápido, se susurran promesas en la era de la oscuridad, quiere ser iluminada, tanto como yo al final (…)” nos canta Vedder, mostrándonos esa juventud adolorida, que busca algo en que confiar y creer en tanta nebulosidad.

También nos habla de la individualidad, de mantenerse fiel a sí mismo, a sus ideas y sentimientos. “Y escucho la voz de mi consciencia, nada, esta la hare yo mismo” dice Vedder en varias partes de la canción, como teniendo certeza y confianza en su propio actuar y pensar.

“el gatillo se mueve, dirigido directamente a mi cabeza ¿No me ayudaras? Ayúdame de mí mismo”  señala al final, recordándonos esa delgada línea con la muerte, con el suicidio, que también simboliza  a esta generación, pidiendo ayuda a la vez  para salvarse de sí mismo, de su mente, de sus ideas, de sus sentires.

Entonces, podemos ver en esta letra una representación de esa generación pérdida de los 90s, de esa que nos muestra Singles, de esa que se habla en el libro Generación X de Douglas Coupland, una generación adolorida, individualista, hedonista, escéptica un tanto, pero que en el fondo sigue creyendo en ese estado de amor y confianza que nos expresa Vedder.

 

 

 

 

 

JEREMY: UNA TRISTE REALIDAD

 

Jeremy es una canción que aparece en el disco debut de la banda, el aclamado y popular Ten publicado en 1991. Es una canción icono de la banda y del movimiento grunge, siendo una de las más reconocidas del grupo, un himno para sus fans. Además, mención aparte  debemos hacer de su videoclip, el cual fue reconocido como mejor video por MTV en 1993. Un video fuerte en su contenido e imágenes, polémico y desgarrador, que muestra a un joven de 16  años, víctima de Bullying, el cual se suicida al frente de sus compañeros y profesora, siendo esta una noticia que impacto profundamente a Eddie Vedder y del cual quiso convertir en letra para que este acontecimiento no quedara en el olvido.

La canción comienza describiendo un dibujo de montañas arriba con un sol amarillo limón con los brazos alzados en V, la muerte espera abajo en una piscina de abandono. Luego el hablante nos señala que el padre nunca le tomo atención y a su madre no le importaba. Después dice que el rey Jeremy, el malvado, manda en su mundo. Finalmente afirma que Jeremy hablo en clases hoy.

En la segunda parte de la canción recuerda claramente que parecía estar mal, sin dolor. Pero, añade, que liberamos a un león, que mostro sus dientes y mordió su soledad. Cómo no olvidar, se pregunta. Me golpea la mandíbula adolorida y la deja abierta como el día que lo escucho. Después señala que el padre no le dio afecto y el chico se convirtió en algo que  a su madre no le gusto. Finalmente afirma que el rey Jeremy manda en su mundo y luego Jeremy hablo en clases hoy. Por último, dice intenta olvidarlo, intenta borrarlo del pizarrón. Jeremy  hablo en clases hoy, repite varias veces más hasta el final.

Podemos apreciar en esta letra la relación de un joven, en este caso, Jeremy, quien posee una relación compleja con sus padres, es ignorado por ellos, no lo toman en cuenta, es alguien que no recibió el afecto ni  la preocupación  necesaria de sus progenitores. Este joven se siente solo, perdido, es alguien que  ha aprendido vivir en su soledad y siente que en ese mundo él manda.

Entonces, estamos frente a  los problemas de un adolescente que no ha recibido la atención necesaria y que su vida se ha vuelto problemática, viéndose esto también en su realidad escolar, donde deja de ser el niño tímido y vapuleado, expresándose por primera vez en su clase, pero como todos sabemos de la peor manera, suicidándose frente a sus compañeros.

Esta letra, por lo tanto, nos habla de distintas temáticas que afectan a los adolescentes en su desarrollo normal, tales como, la relación compleja con los padres, el bullying escolar, el acceso fácil a las armas por menores de edad, el aislamiento, la depresión, entre otros. Todos estos problemas están presentes en nuestra vida actual y nos muestran las negligencias que cometemos como padres, instituciones de gobierno y como sociedad en general.

Eddie Vedder quiso con esta canción visibilizar toda esta problemática para que  logremos darnos cuenta del daño que realizamos, para recordarnos lo importante que es crear sociedades donde el amor y las personas sean lo más importante, donde se ponga fin a la violencia, al maltrato y al uso de armas. Sin embargo, seguimos en deuda.

 

 

 

BIG WAVE: EDDIE VEDDER Y EL MAR

 

Big wave es una canción que pertenece a álbum homónimo de Pearl Jam publicado el año 2006. Esta letra nos hace referencia al mar, al océano y sus olas. También se relaciona con la conexión que siente Eddie Vedder con el mar a partir de su afición al surf como hobbie que practica desde siempre.

La letra comienza identificándose el hablante con un crustáceo, que vive en una nación bajo el agua, el cual señala que surfeó en celebración y en unas mil adaptaciones. Después dice que le consigan una ola grande para montarse en una gran ola.

En el coro señala que siente una necesidad plantada en él. No puedes ver el tamaño de los océanos, pregunta. Luego considera que definiendo el tiempo y la marea levantándose, pudiéndose montarse con sus brazos al lado.

En la segunda parte el hablante menciona que grita en afirmación de dislocaciones conectadas, que excede las limitaciones, logrando levitar. Después vuelve a decir que le consigan una ola grande para montarse en una gran ola.

En la parte final se vuelve a repetir el coro donde señala que siente una necesidad plantada en él. No puedes ver el tamaño de los océanos, pregunta. Luego considera que definiendo el tiempo y la marea levantándose pudiendo montarse con los brazos al lado. Por último afirma que  me consiguió un paseo, que le dieron un paseo.

Podemos apreciar en esta canción la relación que tiene Eddie Vedder con el mar, en la cual con una letra simple y directa, se expresa el gusto y pasión que siente por montar una ola grande, es decir, practicar su mayor hobbie: el surf, sintiéndose casi como un crustáceo, un animal en adaptación que no puede vivir sin el mar y sin el surf.

También en esta letra nos describe cómo se siente estar sobre una gran ola, donde considera que excede todas sus limitaciones y logra elevarse por encima del mar. Es de esta forma que puede afirmar su identidad conectada con el mar y con el surf, pasión que desde temprana edad siente y que permanece hasta hoy.

Es, en el fondo, esta letra una invitación a disfrutar del mar, del surf, de las grandes olas, del océano, de manera sencilla, solo como una manera de diversión y de placer por el mar y sus olas, por querer conseguir una gran ola y montarse sobre ella. En pocas palabras, una canción sobre el amor al mar, el amor a las olas, el amor al surf.

 

BREAKERFALL: UNA CHICA IMPETUOSA

 

Breakerfall es una canción que aparece en el álbum Binaural publicado el año 2000. Esta letra nos habla sobre una mujer que lo ha perdido todo, que va en contra la corriente, es una mujer que está en llamas, que se encuentra mal, enferma y que solamente el amor puede salvarla de seguir cayendo.

Entonces, Breakerfall,  nos describe a una mujer diferente a la presentada en Better man, donde se muestra a una mujer sumisa, insatisfecha, soñadora, pero que se siente incapaz de cambiar su destino. En cambio, en esta canción apreciamos a una chica fuerte, aguerrida, pasional, llevada a sus ideas. Es una mujer que es capaz de dejar todo en llamas. Es la típica “chica problema”, incontrolable, que ha perdido a su amor y siente que va cayendo a un precipicio, que no tiene donde ir y que nadie se preocupa por ella.

Más adelante, la letra nos muestra que aquella mujer es ella misma quien tiene el problema, ella es su propia enfermedad. Esta chica está sola odiando al mundo, pero en el fondo es ella quien lo busca, quizás con su manera de ser o de comportarse, lo provoca.

Sin embargo, a pesar de toda esta situación que esta mujer vive, podemos ver que es sólo el amor puede quebrar su caída, es decir, que sólo este sentimiento puede frenar y dejar que esto no suceda. Solamente esa fuerza la puede salvar de caer en el abismo y ayudarla a salir de sus problemas.

Para terminar encontramos en esta canción a una mujer que debe aprender a  manejar sus impulsos, a sobrellevar su relación amorosa, sin sentirse caer ni odiar a todo el mundo. También, debe templarse para poder vivir de forma real y verdadera el amor, ya no como algo problemático o asfixiante, sino como una fuerza que nos ayuda a solucionar nuestra vida y ser mejores personas cada día.

 Como conclusión podemos decir que en la canción Better man encontramos a una mujer que necesita volver a empoderarse y creer en sus sueños. Es una mujer que debe volver a luchar por sus objetivos, desarrollando su amor propio y empoderamiento. En Breakerfall, al contrario, vemos a una mujer que debe aprender a manejar sus impulsos, a calmarse para poder vivir de forma más satisfactoria, siendo el amor, la energía que puede salvarla.

 

 

MIND YOUR MANNERS: UNA CRITICA A LA IGLESIA

 

Esta canción aparece en el penúltimo álbum de estudio de la banda denominado Lightning Bolt, el cual fue publicado el año 2013, siendo su primer sencillo, lanzado en internet el 11 de julio de ese mismo año. Se caracteriza  por sus rápidas guitarras, muy al estilo de bandas como Dead Kennedys u otras bandas californianas. La letra nos entrega un mensaje de reflexión y crítica hacia la iglesia y sus aberraciones, permitiéndonos crear una visión sobre la misma y un pensamiento acerca de la fe y de creer en algo superior.

La canción comienza mostrando a un hablante que se siente decepcionado de alguna manera, siente que no cree y que toda la verdad sale a la luz. Después refiriéndose a la iglesia dice que ellos más que buscar votos, buscan a los inocentes para arrojarlos a la hoguera. Pero ellos lo único que saben decir es “cuida tus modales”, señala.

Más adelante el hablante menciona  que se sorprendió creyendo que necesitaba a dios, y si estuviese, quizás no sería útil ahora. Luego señala que pongan a prueba su paciencia, pero su paciencia ya fue probada. Después señala que este mundo no es lo suficientemente bueno y eso le hace llorar. Finalmente, ellos siempre dicen lo mismo “cuida tus modales”. Es todo lo que dicen siempre, afirma.

En la parte final de la canción el hablante señala que se siente autorrealizado y metafísicamente redimido, que podría no vivir una segunda vida, que podría no resolver los misterios. Después señala que justo a la vuelta de la esquina podría ser más grande que todos nosotros, podríamos pedírselo a al cielo o podríamos hacerlo de manera diferente. Luego,  nuevamente, dicen “cuida tus modales” y siempre rezando, señala. Finalmente, quieres ir al cielo, que genial, te gusta, viviendo en el infierno, puntualiza.

Vemos en esta letra una crítica férrea que se hace a la iglesia, la cual todos sabemos en lo que ha estado envuelta este último tiempo. Sabemos de los muchos abusos que han sido perpetrados por éstos, convirtiéndolos en autores y cómplices del gran daño realizado a niños inocentes. Y es que es verdad que ellos más que buscar feligreses, buscan dinero, poder, cuestiones totalmente contrarias a la búsqueda espiritual.

También, en esta letra vemos el tema de la búsqueda trascendental o de creer en algo superior a nosotros. Todo esto es un trabajo personal, de cada  persona, transitar ese camino, no tiene que ver con dios y menos con la iglesia. Tiene que ver con tus creencias propias y cómo tú le das un significado a la vida, actuando en concordancia  a esas ideas.

Por último, en este canción podemos apreciar, además, la contradicción entre el cielo y la tierra, entre el cielo y el infierno. Tenemos búsquedas espirituales, creemos en algo superior a nosotros, tenemos una iglesia, sin embargo, el mundo es un real infierno, un lugar poco amable para vivir. Todo esto se contradice y nos hace cuestionar, para qué creer en el cielo o en el paraíso, si nuestra vida acá es un infierno. Quizás nos hace falta más actuar que predicar, no creer tanto en cosas “bonitas” o espirituales, sino que demostrar en actos todo lo bueno que podemos llegar a ser. Y eso sí que es un trabajo de cada uno, si queremos crear un mundo más humano y trascendental.

En conclusión, encontramos en esta letra una crítica fuerte contra la iglesia y sus malos actos, una reflexión sobre el tema de la fe o de creer en alguien superior y un cuestionamiento sobre la vida que llevamos, en vez de buscar el cielo, por qué mejor no traemos el cielo a la tierra y así lograr que este mundo no se convierta en un verdadero infierno.

 

 

W.M.A.: UNA CANCION DE PROTESTA

 

W.M.A. (white male american) es una canción que está incluida en el álbum Versus publicado en 1993. La letra de esta canción trata sobre el abuso de poder de la policía blanca americana sobre los ciudadanos, específicamente, afroamericanos. Es una canción de protesta que pone en tela de juicio el actuar de estos policías, que creen tener el poder por ser blancos. En el fondo, es una protesta y una crítica, en la cual se ridiculiza el actuar y   pensar de este tipo de personas que se siente superior sólo por tener un color de piel determinado.

La canción comienza refiriéndose a un hablante que pide que lo liberen, hablando con voz en off. Luego  se describe a este policía como un ser que se ganó la lotería por ser blanco. Después, lo critica diciendo que aparece entre él para atraparlo, entrenados como perros, dice que actúa la policía, para oprimir y encarcelar, según su color y olor.

Más adelante, se vuelve a reiterar la idea de que se ganó la lotería al nacer. Luego señala que una gran mano ha abofeteado al hombre blanco americano, pero que  no te equivoques, señala el hablante. Al final señala que el policía ha detenido a su hermano otra vez, repitiendo esta frase varias veces más.

En la parte final de la canción el hablante menciona a Jesús, diciendo que se parece a él y que lo saluda.  Luego vuelve  señalar al policía que  no se equivoque, así que corte limpio, con sus manos sucias sale de inmediato. Después vuelve a reiterar que la policía ha detenido a su hermano otra vez. Finalmente, señala que todas sus piezas lo han liberado, que los dispositivos humanos lo han liberado, afirma.

Lo primero que podemos apreciar en esta letra es la figura de un hablante que pide que lo liberen, que se siente perseguido y acorralado por la policía. Se siente como Jesús, acosado y maltratado. Siente que no es libre, que hay persecución hacia él y hacia su hermano, por lo tanto, pide que lo dejen tranquilo y en libertad.

Es la denuncia contra la policía blanca americana, la cual se critica tanto en su actuar como en su pensar. Se ridiculiza su forma de sentirse superiores por su color de piel, y se le fustiga por su actuar brutal frente a personas de distinto color y/o etnia, pero sobre todo de personas de origen afroamericano.

Vemos, por lo tanto,  en esta simple y directa  letra, la crítica que se realiza al actuar de la policía americana, que muchas veces se aprovecha de su poder, oprimiendo y encarcelando a personas por su color de piel, los cuales son maltratados, discriminados y humillados sin ninguna razón.

Se trata, entonces, del abuso de poder que la policía norteamericana muchas veces infringe sobre personas afroamericanas, y que este último tiempo hemos visto en la figura de George Floyd, quien murió a manos de estos policías, lo cual incentivo una serie de manifestaciones sociales multitudinarias en contra del racismo y del actuar brutal de la policía en USA.

En conclusión, es una canción de  protesta contra la policía americana y su actuar indiscriminado y,  a la vez, es una crítica directa hacia las personas racistas que se sienten superiores sólo por ser de distinta raza o color de piel, situación que hoy en día es totalmente repudiable e irrisorio.

 

GREEN DISEASE: UNA CANCION ANTI- BUSH

 

Green disease es una canción que aparece en el disco Riot act publicado el año 2002. Se caracteriza por tener una letra política que habla sobre la codicia de algunos gobernantes, en este caso, según  el contexto en que se enmarca este disco, se refiere implícitamente al gobierno de George W. Bush.

La letra comienza describiendo a esta “enfermedad” diciendo que están todos verdes, que esto emana desde su interior y que se llena con su ocupación. También señala que son como una mala yerba que les roban a los que están más abajo, que tienen mucho, pero aún así siempre quieren más.

Después el hablante señala que tiene algo en su garganta, que está  engañado, pero que no les cree. Además, dice que podemos gritar fuera de nuestras puertas, pero hay un hombre gordo que ronca detrás de una puerta, que en sueños él esta ahogándose con las hojas.

En el coro el hablante señala que puede que no haya nada malo en lo que dices, pero créeme puede haber mejores maneras, te estoy pidiendo que gobiernes el mundo con el corazón y no con el cerebro. Finalmente deletrea la palabra “codicia”.

Podemos ver en esta letra una crítica hacia las personas ambiciosas que siempre buscan tener más, sin importar cómo lo consigan. También es una crítica a aquellos gobernantes que tienen esta forma de gobernar, en  la cual “el fin justica los medios”, son codiciosos y no les importa la vida de las personas, pasando por sobre estas.

Vemos, además, cómo el hablante le pide que busque otras formas de realizar su trabajo, que vaya mas allá de esta “verde enfermedad” o enfermedad del dinero (verde como el billete de dólar). Le exige que gobierne con el corazón y no con el cerebro, que deje de lado esa forma de presidir y encuentra una que sea más humana.

Es, por lo tanto, una letra política y de protesta, que busca criticar esta forma de mandato de algunos presidentes, de terminar con esa codicia  y preocuparnos más por las personas. También nos insta a nosotros a exigir tener gobiernos mas humanos, en la cual la vida de los ciudadanos este por sobre el dinero.

Para terminar podemos concluir que esta canción posee una letra anti-Bush, nos muestra la posición de la banda en contra de su forma de gobierno, del cual son férreos opositores, tal como lo demuestra sus mensajes anti guerra y letras que ridiculizan su actuar como en la tan recordada “Bushleaguer”.

PENDULUM: EL RITMO DE LA VIDA

 

Pendulum es una canción que aparece en el disco Lightning bolt publicado el año 2013. Es una canción de ritmo suave y cautivante, con una letra profunda y reflexiva que nos entrega un férreo mensaje espiritual. Nos habla sobre el propio ritmo que tiene la vida, de cómo ésta no para y en ese movimiento incesante estamos inmersos nosotros.

El hablante comienza afirmando una realidad: no puedes saber cómo es arriba, si no has estado bien abajo, que el futuro se ve brillante sin un lugar donde ir. Luego señala que el péndulo va de un lado a otro, estamos acá y luego nos vamos, mi sombra me dejo hace mucho, confirma al final.

En la segunda parte nos dice que muchas veces tratamos de entender lo que no sabemos, esto puede pasar, esto puede durar, esto puede crecer. Después afirma que lo que fácil llega, fácil se va, a mi lo fácil me dejo hace tiempo, sentencia finalmente.

En la última parte el hablante señala que esta en el fuego, pero aún sigue frio, que nada funciona para él ahora. Por último, repite la fase de un lado a otro va el péndulo.

Lo primero que podemos reconocer en esta letra es el principio del ritmo o del  movimiento. Todo en esta vida tiene un ritmo propio, todo viene y va, en un movimiento continuo, incesante, igual que el péndulo que se mueve de acá hacia allá sin parar. Así mismo es la vida, tiene un ritmo que no podemos parar, que no podemos controlar.

De esta manera el gran mensaje de esta letra es aprender a fluir con la vida, dejar el control y movernos como el péndulo, con ligereza, sin resistencia, pasando de un estado a otro y soltando lo que impida movernos con liviandad.

También vemos la idea de mantenernos en el presente, todo en esta vida pasa, en un momento estamos y luego no. En el fondo, darnos cuenta que la vida va sucediendo, entonces, vivamos en el ahora, que después no estaremos.

Otro elemento que podemos apreciar en esta letra es la idea de vivir cada proceso de nuestra vida, para saber cómo es estar arriba hay que haber estado bien abajo. Es decir, para poder apreciar la vida a veces hay que vivir momentos complejos, hay que transitar cada momento y ver nuestras sombras para aprender admirar la belleza de la vida.

En conclusión, podemos encontrar en esta letra un profundo entendimiento espiritual de la vida, en el cual la clave es aprender a fluir con esta,  movernos de forma ligera y dejar el control, dejar que las situaciones sucedan sin resistencia, ir y movernos con gracia como el péndulo, que viene y va. 

Por último, aprender a transitar cada etapa de la vida, tanto lo iluminado como las propias sombras,  es otro gran aprendizaje de esta letra para poder valorar la vida y el momento presente.

SOMETIMES: CONECTANDO CON DIOS

 

Sometimes es una canción que aparece en el álbum No code publicado el año 1996. Posee una letra simple y profunda con un gran mensaje espiritual dentro de ella. Nos habla sobre el autoconocimiento, sobre la relación con uno mismo y sobre la conexión que tenemos con dios.  En conclusión, es una canción que nos entrega un gran aprendizaje espiritual.

La canción empieza haciendo una correspondencia entre creador y su obra artística, en la cual compara a lo que hace dios con su creación, hablando de los dedos largos que empujan la pintura, eres dios y tienes las manos grandes, dice, los colores mezclas, los desafíos que das al hombre, afirma después.

En la segunda parte el hablante señala que busca su parte, que se dedica a sí mismo, a su pequeño yo, como muchos de los libros de un estante. Luego comienza a enumerar una serie de acciones que a veces hace, como saber, levantarse, caerse, estremecerse, vivir, caminar, arrodillarse, hablar de nada en absoluto, que a veces hasta llega sí mismo, mi querido dios, dice al final.

Lo primero que podemos destacar en esta letra es la relación que se hace entre obra-artista y creación-dios. El artista es una especie de dios, tiene la capacidad de crear y mezclar colores para crear mundos nuevos, tal como lo hizo dios que creo todo lo existente. Entonces, el ser humano tiene la capacidad de crear esas realidades nuevas, transformándose en un dios o de llevar esa divinidad dentro de sí.

También podemos subrayar en esta canción la relación que tiene el hablante consigo mismo, de dedicarse a  su “pequeño yo”, de encontrarse a sí mismo.. Para esto realiza una serie de acciones que  algunas veces hace para poder conectar con su propio yo, con su ser creativo y su dios interno.

De esta forma encontramos en esta letra el tema del autoconocimiento, de conectar con uno mismo para poder conocernos mejor, encontrar esa divinidad que tenemos y nuestra capacidad de crear. En fin, somos como un dios, podemos crear esas realidades y mundos nuevos que deseamos.

En conclusión, podemos ver en esta letra la importancia de darnos esos momentos de introspección, de  escucharnos a nosotros mismos para poder  conectar con ese dios, con esa divinidad que nos permite crear  e imaginar esas realidades. No importa que actividades realicemos en nuestra vida diaria, lo relevante es darnos esos tiempos personales para conocernos y escuchar nuestra voz interior.

 

ALL THOSE YESTERDAYS: LIBERATE DEL PASADO

 

All those yesterdays es una canción aparece en el disco Yield publicado en 1998.  Se caracteriza por su letra profunda y reflexiva, la cual nos invita a la introspección y a observar nuestro mundo interior. También deja un férreo mensaje sobre decidir dejar aquello que nos pesa y estanca, liberándonos del pasado y de la mente obsesa.

La canción comienza con un hablante que se dirige a un tu implícito, realizando una serie de preguntas. No crees que deberías descansar, no crees que debieras recostar tu cabeza, no crees que debieras dormir, son algunas de la preguntas que realiza. Luego prosigue con el cuestionamiento, no crees que has hecho suficiente, no crees que ya es tiempo de parar esta noche. Finalmente señala que hay tiempo para recostar su cabeza y dejar que se quite de encima el peso de todos esos ayeres.

En la segunda parte de la canción, el hablante continua con las preguntas diciendo de que estas huyendo tomando pastillas para estar bien y creando muros que pones frente a ti. Después pregunta así que nadie te entiende, estando a la deriva y haciendo las cosas que todos hacemos. Por último, vuelve a repetir que se deje quitar de encima el peso de todos  esos días pasados.

En la parte final el hablante afirma que estas a tiempo de escapar, que aún puedes escapar, que no es un crimen escapar, que hay tiempo, así que escapa.

Lo primero que podemos destacar de esta letra es a quién se dirige el hablante, puede que se dirija a un receptor determinado o también puede que se esté dirigiéndose a sí mismo, como en una especie de monologo. Esto no queda claro en ninguna parte de la letra, con lo cual se entiende que ambas posiciones son validas.

Podemos apreciar en esta canción, además, el cuestionamiento que el hablante realiza sobre la forma en que vivimos, sobre cómo queremos controlar todo, que no dejamos de pensar, que no paramos nunca. Todo esto al final  nos produce daño, porque no nos permitimos descansar y menos liberarnos de nuestras propias ataduras mentales.

De esta forma, esta letra nos pide liberarnos del peso del pasado, dejar de lado todo eso que nos merma y nos agota, abandonar esa mente obsesiva que no para de pensar, escapar y liberarnos de ese modo toxico de vivir. Es por todo esto que esta letra nos deja un gran aprendizaje espiritual de liberarnos del pasado y aprender a controlar nuestra mente.

Otro elemento que podemos subrayar de esta letra, es la posición evasiva de la persona la cual se refugia en sus pastillas y crea muros para aislarse. Esto también es negativo, pues no es la mejor forma de afrontar todo esto,  no eres el único  que vive una situación límite, hay muchos experimentando lo mismo y la mejor forma es compartir lo que te sucede, hablar y expresarte sin encerrarte en ti mismo.

Para concluir, podemos señalar que esta letra nos entrega un aprendizaje de vida y conocimiento espiritual de liberarnos del pasado, de dejar ir esos pesos y vivir conectado al presente. También nos enseña a soltar el control de la mente, permitir que esta no nos siga dominando, aprendiendo así a dominar nuestra mente y no ella a nosotros, lo cual nos llevara a tener una vida más tranquila y plena.